Creado por mi en Adobe Illustrator con una imagen del director estadounidense Wes Anderson publicada por cinefila.mx
Durante las décadas del 90 y comienzos del 2000, varios directores independientes dentro de los Estados Unidos buscaron crear un cine que se apartara del estilo y el contenido de las franquicias de Hollywood, cuya fórmula se había establecido con fuerza durante el auge del cine taquillero de los años 80.
Esto conllevó a un cambio significativo, que con distintos enfoques creativos, sentó las bases de un movimiento fílmico que ha dado al cine diversas obras que plasmaron la enajenación impuesta por la tecnología y la modernidad de finales del siglo 20, y comienzos del 21, con un nuevo tipo de protagonista pintoresco y otra formas de hacer cine: Se trata del "Cine Excéntrico Estadounidense".
Ellos, hijos ilegítimos de la era del Nuevo Hollywood que había reinado con absoluta libertad por más de una década desde finales de los 60, fueron los responsables de idear un nuevo modo de realización impulsado por creencias filosóficas y morales “metamodernas” que se inscribían en la recientemente creada tradición del cine independiente.
Fotograma de The Royal Tenenbaums (Wes Anderson - 2001)
Sus cineastas clave, los llamados "excéntricos estadounidenses", están marcados por películas que están "profundamente preocupadas por la ética y la moral, las obligaciones del individuo, los efectos de la desintegración familiar y la alienación social", destacó Jesse Fox Mayshark en su libro del 2007 “Post-pop cinema: la búsqueda de sentido en el nuevo cine estadounidense”.
Entre sus exponentes más destacados están Wes Anderson, Paul Thomas Anderson, Richard Linklater, Todd Haynes, David O. Russell, Charlie Kaufman, Spike Jonze, Michel Gondry, David Fincher, Sofia Coppola, Neil LaBute, Todd Solondz, Noah Baumbach, Alexander Payne, Miranda July, Lena Dunham, Greta Gerwig, Jason Reitman, y Kevin Smith, entre otros.
Ahora sí, echemos un vistazo a cinco películas esenciales de este movimiento a manera de introducción a este singular cuerpo cinematográfico.
1. The Royal Tenenbaums (Wes Anderson - 2001)
Esta es una comedia dramática que representa uno de los mejores ejemplos de este movimiento. The Royal Tenenbaums es un análisis absurdo de una familia disfuncional que se inspira en obras de Orson Welles y Louis Malle.
A pesar de que esa estética particular ya había comenzado a perfilarse en “Rushmore”, su segundo trabajo, no sería hasta éste, su tercer largometraje, cuando Anderson perfecciona el estilo visual y narrativo que lo caracterizará a partir de ese momento.
2. Punch-Drunk Love (Paul Thomas Anderson - 2002)
Esta fue la película que hizo que viéramos de manera distinta a Adam Sandler como actor. Punch-Drunk Love es una comedia romántica poco convencional donde Sandler encarna a un hombre con ansiedad social que intenta navegar por los laberintos de la vida y el amor. Por este trabajo, Anderson se llevó a casa el premio como Mejor Director por “su visión creativa” en el Festival de Cannes.
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3. Happiness (Todd Solondz - 1998)
Convertida en un clásico de culto, esta controvertida comedia negra es una crítica mordaz a las apariencias que rigen la sociedad, dejando al descubierto las múltiples hipocresías y perversiones que subyacen en la medula de sus “ciudadanos respetables”.
Sobre Happiness, su director Todd Solondz declaró al critico Roger Ebert: "Lo que parece inquietar a la gente es que hay personajes cuyo comportamiento puede ser aborrecible, repelente, repugnante. Y, sin embargo, no podemos descartar a estos personajes. No pueden ser reducidas solamente como el “pedófilo”, el “pervertido” que llama por teléfono, o la señora que “descuartiza” a su qué sé yo. Tienen corazones, mentes y vidas que sangran. Me preocupo y, en cierto sentido, pido al público que se preocupe por personas que quizá sean las últimas del mundo por las que querríamos preocuparnos".
4. Being John Malkovich (Spike Jonze - 1999)
Dirigida por Jonze, pero escrita por Charlie Kaufman, Being John Malkovich fue la película que introdujo la originalidad característica de Kaufman al público general. La historia cuenta un viaje metafísico y surrealista que cuestiona la condición humana y la identidad personal de sus personajes con aspectos que rayan en el absurdismo.
La película le valió a Kaufman una nominación al Oscar y por ella ganó un BAFTA. Según como lo cuenta el mismo, escribió el guion en 1994 y fue rechazado por varios estudios. Finalmente, llegó a manos de Francis Ford Coppola, quien se lo pasó a su entonces yerno Spike Jonze.
5. El calamar y la ballena (Noah Baumbach - 2005)
El calamar y la ballena es una película semiautobiográfica situada en el Brooklyn de los años 80 que examina las vidas de dos hermanos y el impacto que el divorcio de sus padres tiene en su psique.
Producida por Wes Anderson, y rodada principalmente con cámara en mano en formato Super 16 mm de celuloide, el filme representa una brillante evaluación de la condición de la familia moderna.
Ganó premios a la mejor dirección dramática y guion del Festival de Sundance de 2005, y también fue nominada al Gran Premio del Jurado. Así mismo, recibió una nominación al Oscar al mejor guion original, seis nominaciones a los premios Independent Spirit, y tres a los Globos de Oro.
Además, Baumbach se convirtió en uno de los pocos guionistas en arrasar en los premios de la crítica, los denominados "The Big Four" (Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, National Board of Review, Sociedad Nacional de Críticos de Cine y Círculo de Críticos de Cine de Nueva York).
Créditos:
Los videos vinculados desde You Tube no son de mi propiedad, solamente comparto el enlace al video del propietario. No se pretenden infringir los derechos de autor.
Utilizado bajo la sección 107 de uso justo de la Ley de Derecho de Autor de 1976 de los Estados Unidos.
Traducción al ingles por Deepl.
Created by me using Adobe Illustrator with the image of the american director Wes Anderson published by cinefila.mx
During the 1990s and early 2000s, a number of independent filmmakers within the United States sought to create a cinema that departed from the style and content of Hollywood franchises, whose formula had become firmly established during the blockbuster cinema boom of the 1980s.
This led to a significant change, which with different creative approaches, laid the foundations of a film movement that has given cinema several works that captured the alienation imposed by technology and modernity of the late 20th and early 21st century, with a new type of picturesque protagonist and another way of making films: the American Eccentric Cinema.
They, illegitimate children of the New Hollywood era that had reigned with absolute freedom for more than a decade since the late 1960s, were responsible for devising a new mode of filmmaking driven by "metamodern" philosophical and moral beliefs that were inscribed in the recently created tradition of independent cinema.
Frame from The Royal Tenenbaums (Wes Anderson - 2001)
Its key filmmakers, the so-called "American eccentrics," are marked by films that are "deeply concerned with ethics and morality, the obligations of the individual, the effects of family disintegration and social alienation," noted Jesse Fox Mayshark in his 2007 book "Post-pop cinema: the search for meaning in the new American cinema."
Among its most prominent exponents are Wes Anderson, Paul Thomas Anderson, Richard Linklater, Todd Haynes, David O. Russell, Charlie Kaufman, Spike Jonze, Michel Gondry, David Fincher, Sofia Coppola, Neil LaBute, Todd Solondz, Noah Baumbach, Alexander Payne, Miranda July, Lena Dunham, Greta Gerwig, Jason Reitman, and Kevin Smith, among others.
Now, let's take a look at five essential films of this movement as an introduction to this unique body of cinema.
1. The Royal Tenenbaums (Wes Anderson - 2001)
This is a dramatic comedy that represents one of the best examples of this movement. The Royal Tenenbaums is an absurd analysis of a dysfunctional family inspired by the works of Orson Welles and Louis Malle.
Although this particular aesthetic had already begun to take shape in his second work, Rushmore, it was not until this one, his third feature film, that Anderson perfected the visual and narrative style that would characterize him from that moment on.
2. Punch-Drunk Love (Paul Thomas Anderson - 2002)
This was the film that made us see Adam Sandler differently as an actor. Punch-Drunk Love is an unconventional romantic comedy where Sandler plays a man with social anxiety trying to navigate the labyrinths of life and love. For this work, Anderson took home the Best Director award for "creative vision" at the Cannes Film Festival.
3. Happiness (Todd Solondz - 1998)
A cult classic, this controversial black comedy is a scathing critique of the appearances that govern society, exposing the many hypocrisies and perversions that lie at the core of its "respectable citizens".
About Happiness, director Todd Solondz told Roger Ebert: "What seems to disturb people is that there are characters whose behavior can be abhorrent, repellent, repugnant. And yet we can't dismiss these characters. They cannot be reduced only as the 'pedophile,' the 'pervert' who calls on the phone, or the lady who 'butchers' her what-do-you-know. They have hearts, minds and lives that bleed. I care about and, in a sense, ask the audience to care about people who may be the last people in the world we would want to care about."
4. Being John Malkovich (Spike Jonze - 1999)
Directed by Jonze, but written by Charlie Kaufman, Being John Malkovich was the film that introduced Kaufman's trademark originality to mainstream audiences. The story tells a metaphysical and surreal journey that questions the human condition and the personal identity of its characters with aspects bordering on absurdism.
The film earned Kaufman an Oscar nomination and won him a BAFTA. According to his own account, he wrote the script in 1994 and was rejected by several studios. It finally found its way into the hands of Francis Ford Coppola, who passed it on to his then son-in-law Spike Jonze.
5. The Squid and the Whale (Noah Baumbach - 2005)
The Squid and the Whale is a semi-autobiographical film set in 1980s Brooklyn that examines the lives of two brothers and the impact their parents' divorce has on their psyche.
Produced by Wes Anderson, and shot primarily with hand-held camera in Super 16 mm celluloid format, the film represents a brilliant assessment of the condition of the modern family.
It won awards for best dramatic direction and screenplay at the 2005 Sundance Film Festival, and was also nominated for the Grand Jury Prize. It also received an Oscar nomination for Best Original Screenplay, six Independent Spirit Award nominations, and three Golden Globe Award nominations.
In addition, Baumbach became one of the few screenwriters to sweep the critics' awards, the so-called "The Big Four" (Los Angeles Film Critics Association, National Board of Review, National Society of Film Critics and New York Film Critics Circle).
Credits:
I do not own the linked videos from You Tube; I am just sharing the link to the copyright owner's video. No copyright infringement is intended.
Used under fair-use section 107 of the Copyright Act 1976.
English translation by Deepl.
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